Rubyfruit Jungle gallerij
Celina Eceiza beschouwt iedere museumcollectie als haar eigen collectie: niet alleen als een verzameling kunstwerken, maar ook als een archief van cultuur, tradities en kennis. Door kunstwerken met de hand na te maken, leert ze ze kennen en begrijpen. Ze beschrijft dit proces als een vorm van zacht kannibalisme: door een kunstwerk uit elkaar te halen en opnieuw te maken, neemt ze iets van de eigenschappen ervan in zich op.
Haar verzameling van nagemaakte werken bij Marres brengt een rijk netwerk van verbanden, ideeën en visies samen tussen haar eigen werk en dat van andere kunstenaars. Sommige werken koos ze omdat ze er meteen door werden aangetrokken, andere vanwege de plek waar ze ze tegenkwam. Voor Eceiza gaat de aantrekkingskracht van een kunstenaar vaak verder dan het kunstwerk zelf. Ze is ook geïnteresseerd in hun ideeën en hun positie binnen de kunstwereld. Veel van de kunstenaars die hier zijn vertegenwoordigd, schreven manifesten, richtten kunstenaarscollectieven op of hielpen nieuwe kunststromingen te ontwikkelen.
Abaporu, 1928
Tarsila do Amaral (Brazilië, 1886-1973)
Amaral speelde een centrale rol onder de modernistische schilders van São Paulo in de 20e eeuw. Ze introduceerde een nieuwe beeldtaal door de invloeden van Europese modernistische stijlen te herinterpreteren en opnieuw toe te eigenen. De titel Abaporu is afkomstig uit de Tupí-Guaraní-taal en betekent ‘de man die mensenvlees eet’. Amaral schilderde het werk in de kleuren van de Braziliaanse vlag en gaf het als verjaardagscadeau aan haar toenmalige echtgenoot Oswald de Andrade. Hij drukte het vervolgens af op de omslag van het eerste nummer van het avant-gardistische tijdschrift Review of Anthropophagy (1928-1929). Het schilderij (en zijn metafoor van het menseneten) werd een symbool van de emancipatie van de Latijns-Amerikaanse kunst van het Europese modernisme. Voor Eceiza is dit schilderij de Mona Lisa van Latijns-Amerika.
Olie op canvas
85 x 73 cm
MALBA, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
Anoniem
Anonymous
Celina vond deze twee kunstwerken in het Werkhuis in Maastricht, waar ze samen met een team van vrijwilligers werkte aan de voorbereiding van de tentoonstelling Rubyfruit Jungle. Ze werd aangetrokken door de vorm van de afbeeldingen en stelt zich voor dat ze het werk zijn van een kunstenaar genaamd Anony Mous.
Werkhuis Maastricht
Orange Functional, 2022
Alexandre Arrechea (Cuba, 1970)
Arrechea’s 6 meter hoge sculptuur doet denken aan een sinaasappelboom, met vertakkende metalen structuren die ‘uitbloeien’ tot 25 functionele basketbalringen. Het werk weerspiegelt de twee decennia die de kunstenaar heeft gewijd aan onderzoek naar de symboliek en politiek van basketbalvelden en openbare ontmoetingsplekken. Bezoekers worden uitgenodigd hun eigen basketballen mee te nemen om te basketballen. Gemiste ballen vallen vanaf de ringen op het gras, als vallende sinaasappels. Eceiza ontdekte dit werk tijdens haar residentie in het Art Omi Soft Sculpture Museum en houdt ervan vanwege de oproep tot actie.
Staal, basketball-netten, Tnemec-verf
Art Omi
© Alon Koppel
Tarjeta de felicitación
Pompeyo Audivert (Spanje, 1900 – 1977)
Geboren in Spanje verhuisde Pompeyo Audivert op jonge leeftijd naar Buenos Aires, waar hij een centrale figuur werd binnen de Argentijnse prentkunst. Hij specialiseerde zich in houtsnede (xylografie) en illustratie, met massieve figuren en scherpe zwart-witlijnen. Zijn kunst richtte zich op sociale protesten, menselijke figuren en antifascistische politieke kwesties. Een vooraanstaande criticus schreef ooit dat Audivert “stormen” produceerde. Eceiza selecteerde dit werk vanwege het feestelijke en humoristische karakter.
Gemengde technieken
15,5×19,5 cm
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires archive.metromod.net/viewer.p/69/2950/object/5138-11020225
Bandera, 2003 – 2007
Sergio Avello (Argentinië, 1964 – 2004)
Sergio Avello was een vooraanstaande Argentijnse hedendaagse kunstenaar, abstract schilder, decorontwerper en incidenteel dj, bekend om zijn veelzijdige, multidisciplinaire benadering van kunst en het leven in Buenos Aires. Zijn werk overbrugde op vanzelfsprekende wijze de kloof tussen postminimalistische abstractie, lichtkunst en de undergroundcultuur van Argentinië van de jaren 80 tot en met de jaren 2000. Avello’s kunst kenmerkte zich vaak door felle kleuren, opvallende geometrische patronen en experimentele materialen. Zijn iconische neon- en lichtinstallaties — zoals zijn minimalistische herinterpretatie van de Argentijnse vlag met behulp van fluorescerende buizen — werden bekende symbolen van zijn vermogen om politiek commentaar te combineren met strakke, meeslepende geometrie.
Aan het begin van de nieuwe eeuw begon zijn speelse abstractie patriottische symbolen te verbeelden. De Argentijnse en Amerikaanse vlag verschenen steeds opnieuw, in verschillende materialen zoals leer, emaille, lichtbuizen en in liedjes die Avello niet uit zijn hoofd kon krijgen. Bandera (vlag) was een kinetische lichtinstallatie, gemaakt van elektronische sequencers en fluorescerende lichtbuizen die de lichtblauwe en witte banen van de Argentijnse vlag nabootsten. De lichten zijn geprogrammeerd om dynamisch te flikkeren, feller te worden en weer te dimmen tot het punt waarop ze bijna uitgaan, voordat de cyclus opnieuw begint. Dit ontwerp dient als een politieke metafoor voor de sociale en economische volatiliteit, veerkracht en voortdurende ups en downs van Argentinië.
Lichtbuizen en microprocessors
276×608 cm
Museo Nacional de Bellas Artes
Todo afuera adentro
Mercedes Azpilicueta (Argentinië, 1981)
Mercedes Azpilicueta is een beeldend en performancekunstenaar die in Amsterdam en Buenos Aires woont en werkt. Haar artistieke praktijk brengt verschillende personages uit het verleden en heden samen, die zich in haar gelaagde werken manifesteren als stemmen, vormen, teksten, sporen en herinneringen. Ze noemt zichzelf een “oneerlijke onderzoeker” en beweegt zich tussen verschillende referenties en kennisgebieden, van kunstgeschiedenis tot populaire muziek en van literatuur tot straatcultuur. Daarbij voelt ze zich aangetrokken tot dissidente figuren en levenspaden — feministische, queer, migranten en ballingen — die haar scripts, performances en video’s blijven achtervolgen. Toch vervalt haar werk nooit in kille eerbied of een fascinatie voor archieven. Door het lichaam met al zijn tekortkomingen en mogelijkheden centraal te stellen — haar eigen lichaam, dat van haar muzen en samenwerkingspartners, dat van de toeschouwers, maar ook gefantaseerde lichamen — omarmt Azpilicueta zowel de kwetsbaarheid ervan als het vermogen tot verzet en zorg.
Todo afuera adentro (Alles buiten binnen) is een hypnotische en provocerende geluidscollage die zich richt op de menselijke stem, taal en de grens tussen de binnenwereld en de buitenwereld. Alledaagse fragmenten, gesprekken en geluiden die op een willekeurige dag onze oren bereiken, worden vertaald en samengebracht. Als gevolg daarvan vervaagt de grens tussen binnen en buiten. De installatie werd ontwikkeld in samenwerking met Christian Galarreta en kwam tot leven door een koor van 12 performers.
Materials
Source
Sol, Luna y Sol, 1965
Melé Bruniard (Argentinië, 1930 –2020)
Melé Bruniard was een gerenommeerde Argentijnse houtsnijder en tekenaar. Ze studeerde aan het Instituto Superior de Bellas Artes in Rosario (Argentinië) en volgde een opleiding in het atelier van de kunstenaar Juan Grela. Haar werk is geworteld in jeugdherinneringen en creatieve verbeelding en wordt gekenmerkt door scherpe lijnen, symbolische figuren en labyrinten van personages. Haar afbeeldingen van planten, de maan en de zon combineren expressieve beeldtaal met een diepe tederheid. Bruniards houtsneden werden op grote schaal tentoongesteld in Argentinië en daarbuiten, wat haar een reeks prestigieuze onderscheidingen opleverde. Bruniard was ook dichter en schreef in A Network of Gazes:
Een netwerk van blikken
Houdt de wereld bijeen
Zorgt ervoor dat zij niet valt
Mijn ogen zoeken naar datgene waardoor we onze schoenen uittrekken
om te zien of er daaronder iets anders is dat ons overeind houdt
of een vogel verzinnen
om erachter te komen of er lucht bestaat
of een wereld creëren
om te weten of er een god is
of onze hoed opzetten
om er zeker van te zijn dat we bestaan.
Houtsnede, zwarte inkt op papier
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires coleccion.museomoderno.org/index.php/Detail/works/17630
La huella fatal, 1979
Mildred Burton (Argentinië, 1942–2008)
Mildred Burton was een vooraanstaande Argentijnse schilder, tekenaar, graficus en performancekunstenaar, bekend om het creëren van een surrealistisch, beklemmend en diep symbolisch visueel universum. In haar praktijk projecteerde ze haar verbeelding vaak op alledaagse ruimtes en voorwerpen. Burtons beelden brengen haar jeugd in Paraná, een weelderige, tropische stad in het midden van Argentinië, en de huiselijke omgevingen waarin ze opgroeide opnieuw tot leven, waarbij ze meubels, familieportretten en verschillende hoeken van haar huis een fantastische dimensie gaf.
Het kunstwerk La huella fatal toont een gesigneerd stilleven met een peer die rust op een rijk gedecoreerd oppervlak met een patroon. Geheel in lijn met Burtons kenmerkende stijl verandert het werk een alledaagse huiselijke omgeving subtiel in iets licht unheimisch en raadselachtigs. Het verbeeldt haar zoektocht om te ontsnappen aan een vaak beklemmende huiselijke wereld en deze om te vormen tot iets fantastisch en droomachtigs.
Hoewel haar stijl herinneringen opriep aan de Franse surrealisten, weigerde ze dit label en verklaarde ze eenvoudigweg: “Ik ben mezelf.” Daarmee benadrukte ze dat ze zich verkeerd voorgesteld voelde als een navolger van Europese kunstenaars. Haar werk uit de jaren 70 en 80 bevat echo’s van het repressieve regime dat destijds door de militaire dictatuur werd ingesteld. Burton putte uit de fantasieliteratuur die ze las en uit haar eigen verbeelding om monsters te creëren in gedwongen afgesloten ruimtes, die verwezen naar de politieke situatie.
Olie op canvas
24×18 cm
Prive Collectie
El universo en un hilo (The universe on a thread), 2017
Marina de Caro (Argentinië, 1961)
Marina De Caro is een invloedrijke Argentijnse beeldend kunstenaar die zich vrij beweegt tussen tekeningen, textiel, installaties, sculpturen, keramiek, video’s en performances. Ze maakt draagbare geweven werken en soft sculptures die de bewegingen van het lichaam veranderen, waardoor de drager de ruimte op een sterk gestileerde, dramatische manier ervaart. Haar grootschalige installaties maken gebruik van felle kleuren, soepel textiel en opvallende vormen om poëtische, alternatieve werkelijkheden op te bouwen. Meesterwerken zoals Tragedia Griega (Greek Tragedy, 2005) zijn rechtstreeks geworteld in performance- en theatertradities. The universe on a thread benadrukt haar focus op de directe lichamelijke ervaring, waarbij fysieke materialen worden gebruikt om onzichtbare persoonlijke of sociale scripts in kaart te brengen.
Een opera in drie delen en twee tussenspelen
Source
Carnaval in het zuiden & Els, 2023
Chantal Lemlijn/CHALEM (Nederland)
Eceiza vond deze twee portretten bijzonder mooi omdat ze door het gebruik van kleuren en tactiele vormgeving iets universeels uitdrukken. Ze zijn geschilderd door een lokale kunstenaar die buiten de professionele kunstwereld werkt. Hoewel ze als auteur haar echte naam gebruikt, verkort Chantal Lemlijn haar volledige naam in haar beeldende werk tot het pseudoniem CHALEM. Carnaval in het zuiden en Els (2023) werden in 2024 tentoongesteld tijdens de Limburg Biënnale. Ze werden geselecteerd uit een reeks van 200 inzendingen die portretten waren.
Limburg Biennale, Marres, 2024
Untitled, 1987
Tony Cragg (VK, 1949)
Tony Cragg is een van de belangrijkste Britse beeldhouwers. Hij werkt met steen, hout, gevonden voorwerpen, aluminium, gegoten brons en ijzer. Zijn werken variëren van repetitieve stapelingen tot geestige composities van voorwerpen op de vloer. Oorspronkelijk werd hij opgeleid als wetenschapper en werkte hij als laboratoriumtechnicus. Dit werk bestaat uit verschillende gegoten bronzen elementen op een marmeren sokkel. De vormen zijn ambigu en kunnen worden geassocieerd met natuurlijke vaten, maar ook met door de mens gemaakte objecten. Eceiza beschouwt het als een portret.
Gegoten bronzen onderdelen rustend op een leunende marmeren voet met een houten fundering
210 x 210 x 285 cm
Art Omi
Juana, 1968
Germaine Derbecq (Frankrijk, 1899 – 1973)
Germaine Derbecq was een vooraanstaande Frans-Argentijnse kunstenaar, kunstcriticus en curator die een belangrijke rol speelde in het bevorderen van moderne en avant-gardistische kunst in Argentinië. Als visionaire ‘talentjager’ stimuleerde ze in de jaren 60 de carrières van een hele generatie jonge Argentijnse kunstenaars. In Buenos Aires verlegde Derbecq haar aandacht naar het vormgeven van de lokale kunstscene. Ze werd bijna twintig jaar lang kunstcriticus voor de Franstalige krant Le Quotidien. Van 1960 tot 1963 leidde en cureerde ze de legendarische Galería Lirolay. In 1970 was ze medeoprichter van het invloedrijke tijdschrift voor hedendaagse kunst Artinf. Ze schreef: “De spirituele boodschappen van kunst zijn voor de massa’s veel noodzakelijker dan doorgaans wordt aangenomen, net zo noodzakelijk als bewustzijn en de grote menselijke gevoelens. Kunst is geen privilege van enkelen, van een bepaalde cultuur of van een bepaald niveau van begrip; het is een menselijke noodzaak voor mensen die een ziel hebben. En wanneer wordt beweerd dat kunst niet voor het volk is, is dat een erkenning dat het volk geen ziel heeft. Het is onvoorstelbaar dat een tijdperk dat er prat op gaat intelligent te zijn, dergelijke absurditeiten zou koesteren.” Als schilder ontwikkelde Derbecqs stijl zich gedurende haar carrière aanzienlijk. Haar vroege werken bestonden uit figuratieve composities, die later overgingen in een kenmerkende vorm van lyrische en geometrische abstractie. Haar volwassen series, zoals haar Pinturas múltiples, waren sterk gebaseerd op geometrisch ritme, optische herhaling en krachtige kleurenpaletten. Haar schilderijen lenen zich bij uitstek voor reproductie. Eceiza zag hierin een uitnodiging om Derbecqs werk zelf te reproduceren.
Olie op canvas
144×168 cm
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Acquisition, 1968.
Astromutacion, 1969
Raquel Forner (Argentinië, 1902 – 1988)
Forner rondde in 1923 haar opleiding aan de Nationale Academie voor Schone Kunsten in Buenos Aires af. Haar werk getuigde van een interesse in actuele gebeurtenissen. Vanaf het begin van de Spaanse Burgeroorlog in 1936 kreeg haar werk een dramatische en tragische toon. In de jaren 40 leende ze ideeën uit het surrealisme en paste ze de esthetiek van vervorming toe zonder te proberen een droomtoestand te reproduceren. Ze kan beter worden gekarakteriseerd als een magiër of alchemist. Gedurende het grootste deel van de jaren 50 maakte ze verschillende series met tragische thema’s, voornamelijk in een expressionistische stijl. Forner beeldde vaak sterke vrouwelijke figuren af, maar niet als specifieke verkenningen van gendernormen. In 1957 richtte Forner haar aandacht op denkbeeldige scènes van interplanetaire reizen. Met haar Space Series, waarmee ze in Europa erkenning verwierf, werd ze een van de eerste kunstenaars die scènes uit de ruimte verbeeldde.
Olie op canvas
72.5×100 cm
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Autobus 27, 1966
Nicolas Garcia Uriburu (Argentinië, 1937 – 2016)
De Argentijnse kunstenaar, architect en pionier van de land art Nicolas Garcia Uriburu is beroemd om zijn grote openbare kunstwerken waarin hij aandacht vroeg voor ecologische en natuurlijke vraagstukken. Zijn interesse werd bij Celina gewekt door dit zeldzame kleine schilderij: Autobus 27 (1966). Het toont een gewone stadsbus uit Buenos Aires uit de jaren 60 en 70. Net als veel van zijn kunstwerken, waarvan het kleuren van de Venetiaanse kanalen tijdens de Biënnale van 1968 het bekendste is, straalt de bus een levendig groen uit.
Olie op canvas
160,5×128,5 cm
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires nicolasuriburu.com.ar/en/nicolas-garcia-uriburu-eng
La Familia, 1960
Noemí Gerstein (Argentinië, 1910 – 1996)
Noemí Gerstein werd opgeleid tot lerares natuurwetenschappen – een beroep waarmee ze haar kunstopleiding bekostigde. Ze volgde een opleiding aan de Escuela Superior de Bellas Artes en bij de Club de Mujeres de Buenos Aires, een van de eerste lokale feministische groepen, waar ze zich begon toe te leggen op beeldhouwkunst. Vanaf 1934 studeerde ze in het atelier van Alfredo Bigatti (1898–1964). Na een solotentoonstelling in de Galería Peuser in 1948 reisde ze met een beurs van de Franse overheid naar Parijs. Daar volgde ze lessen aan de Académie des beaux-arts en in het beeldhouwatelier onder leiding van de kubistische kunstenaar Ossip Zadkine (1888–1967) aan de Académie de la Grande Chaumière. Haar eerste abstracte metalen werk bracht haar internationale erkenning: ze won de wedstrijd voor Monument to The Unknown Political Prisoner, georganiseerd door het London Institute of Contemporary Arts. Het model ervan werd in 1953 tentoongesteld in de Tate Gallery. Vanaf dat moment positioneerde ze zich volledig als non-figuratief kunstenaar. Gersteins werken waren overwegend abstract en ze gaf de voorkeur aan metalen constructies die veel fysieke kracht vereisten. Eceiza bewondert haar omdat ze haar hele lichaam inzet tijdens het maakproces.
Zwart brons
61 x 91 x 23 cm
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Acquisition, 1961
De Zonnebloemen, 1888-1889
Vincent van Gogh (Nederland, 1853-1890)
Vincent van Goghs Zonnebloemen behoren tot de meest iconische schilderijen ter wereld. Het is een beroemde serie stillevens, bestaande uit twee belangrijke reeksen: vier schilderijen uit Parijs (1887), waarop bloemen op de grond liggen, en een tweede reeks uit Arles (1888–1889), waarop boeketten zonnebloemen in een vaas te zien zijn. Deze laatste reeks bestond uit zeven schilderijen die Van Gogh maakte tijdens zijn verblijf in het zuiden van Frankrijk. Hij maakte ze om de logeerkamer in het Gele Huis in Arles te decoreren, voorafgaand aan het bezoek van zijn vriend en collega-kunstenaar Paul Gauguin.
Van Gogh bracht dikke verflagen aan met zijn kenmerkende impastotechniek om een levendige textuur, beweging en een gevoel van leven te creëren. Hij gebruikte slechts drie tinten geel om te laten zien dat een krachtig beeld kon worden gemaakt met variaties van één enkele kleur. Hij schreef dat de bloemen “dankbaarheid” uitdrukten en vriendschap symboliseerden.
De zonnebloemen en het bed (waarin Gauguin sliep) die hier te zien zijn, zijn geschilderd door de familie Frieling (Gijs, Anne en Eva), met hulp van Afra Eisma en Karin Nurnberg. De achtergrond is een versie van Van Goghs slaapkamer in Arles (1888), die door Celina Eceiza met chloride in textiel is gebrand.
Olie op canvas
Chito y Peca, 1968
Juan Grela (Argentinië, 1914 – 1972)
Juan Grela was een zeer invloedrijke, autodidactische Argentijnse schilder, graficus en graveur die een centrale figuur werd binnen de Argentijnse kunst van de 20e eeuw. Hij bracht het grootste deel van zijn leven door in Rosario en liet een blijvende erfenis na, zowel als regionaal meester als vooraanstaand kunstdocent. Hoewel hij voornamelijk autodidact was, werd Grela sterk gevormd door zijn contacten met belangrijke figuren uit de Argentijnse avant-garde, onder wie de sociaal-realistische kunstenaar Antonio Berni, José Planas Casas en Joaquin Torres García. In 1948 richtte Grela samen met Leonidas Gambartes de Grupo Litoral op. Deze beweging streefde naar de ontwikkeling van een ‘moderne maar inheemse’ regionale realistische kunst, waarin de unieke geografie, folklore en dagelijkse werkelijkheid van de oevers van de Paraná en haar bewoners werden vastgelegd.
“…Ik ben ervan overtuigd dat je, om schilder te zijn, universeel moet worden. Maar universeel worden betekent niet dat je internationaal wordt. Ik heb geleerd dat ik diep vanbinnen ben zoals de slak, zoals de hond, zoals de planten en zoals de sterren. Dat is wat ik versta onder universeel worden. Het betekent dat het universum in ons bestaat. Wanneer je universeel wordt, voel je je onderdeel van alle dingen en is er niets meer waarvan je kunt zeggen: dit is slecht en dit is goed, zoals ons door onze opvoeding wordt geleerd. In plaats daarvan kan ik zeggen: dit is anders. Als het bijvoorbeeld om kleuren gaat, heb ik geen afkeer van welke kleur dan ook. Je kunt me welke kleur dan ook geven en ik zal ervan houden. Ik houd van rechte lijnen en gebogen lijnen; als een schilderij tonaal is, vind ik het mooi; als het om kleur draait, vind ik het mooi. En waarom? Omdat ik het onaangename afwijzen heb losgelaten dat voortkomt uit het geloof dat ik de meester en eigenaar ben van één enkele waarheid en mezelf als almachtig beschouw. Ik voel me een appel en ik voel me een sinaasappel, en ik voel me een hond en ik voel me een vis en ik voel me water.”
In 1958 nam Grela officieel afstand van de Grupo Litoral, toen zijn werk zich losmaakte van het sociaal realisme en hij zich in plaats daarvan sterk ging richten op geometrische vormen, fragmentatie en non-figuratieve composities. Grela’s tekst en schilderijen veranderden de manier waarop Celina naar kunst keek. Ze leerden haar de schoonheid van de dualiteit tussen eenvoud en mysterie, zoals ook wordt verbeeld in dit beeld, waarin één voet op aarde staat en de andere in een ander universum.
Tempera op papier
49,3 × 34,3 cm
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Acquisition, 1962.
Casa o Escultura
Alberto Heredia (Argentinië, 1924 – 2000)
Dit kunstwerk ontstond uit Heredia’s traumatische ervaring van het ondergaan van meerdere operaties en het gedurende twee jaar geïmmobiliseerd zijn en bedekt zijn met gipsverbanden, nadat hij in 1963 van een paard was gevallen. In zijn sculpturen, sterk beïnvloed door zijn lichamelijke ervaring met de gipsverbanden, behandelt hij geweld en genezing als twee krachten die in zijn kunst en lichaam samenkomen. De gevaarlijke punten van de sculptuur verbeelden zijn pijnlijke trauma, als een wond die zich opent.
Metaal en geëmailleerd ijzer
300 cm
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires coleccion.museomoderno.org/index.php/Detail/works/13284
Untitled, 1967
Aid Lea Herrera (Argentinië, 1905 – 1993)
Aid Herrera was een invloedrijke, autodidactische Argentijnse schilder, tekenaar en graveur. Haar werk wordt zeer gewaardeerd om zijn spontane karakter en poëtische integratie van organische vormen. Ze verfijnde haar talent in het atelier van haar echtgenoot Juan Grela en schilderde eind jaren 50 samen met hem muurschilderingen in het noorden van Rosario. Terwijl hij lesgaf, ontwikkelde zij in stilte haar eigen stijl en artistieke ontwikkeling. “Ik tekende voorwerpen op elk stukje papier dat ik kon vinden. Zo zette ik bijvoorbeeld mijn bril af en tekende die, en vervolgens gebruikte ik die om een gezicht, ogen en allerlei andere dingen te maken. Overdag zat ik op de binnenplaats en keek ik naar de muren, waar de verf was afgebladderd, en zag ik allerlei vormen: gezichten, vogels, planten. Ik tekende ze in een notitieboek.”
Vanaf de jaren 70 kreeg Herrera brede erkenning. Ze had belangrijke solotentoonstellingen, waarin ze haar gespecialiseerde werk in gekleurde houtsneden, gravures en pastel tekeningen presenteerde. Herrera bereidde haar fijne kleuren en bracht deze vervolgens rechtstreeks aan op het doek of de etsplaat, zonder voorafgaande schetsen. In haar composities komen vaak vogels, planten, vlinders en abstracte menselijke figuren voor, met elkaar verweven door zachte, golvende lijnen. In haar houtsneden (xilografías) en etsen (aguafuertes) gebruikte ze kleurpotloden over de afdrukken heen. Bij het werken met pastel liet ze het onderliggende papier zichtbaar, waardoor de textuur van de ruwe drager een actief onderdeel van het kunstwerk werd.
Pint 934 Limoesjos, 1985
Lido Iacopetti (Argentinië, 1936 -2024)
Als zelfverklaard volksschilder volgde Iacopetti’s artistieke carrière niet het gebruikelijke pad. In plaats van tentoon te stellen in grote musea of modieuze galeries, hield hij exposities op niet-traditionele plekken, zoals lokale winkels, scholen, cafés, parken en zelfs op straat. In 1969 schreef hij een manifest met de titel Nueva Imaginación [Nieuwe verbeelding], waarin hij zijn kunst neerzette als een middel tot transformatie en vrijheid. Ook legde hij de pictogrammen uit die vanaf dat moment zijn schilderijen zouden bevolken, als symbolische voorstellingen van een nieuwe wereld. In zijn woorden: “deze PICTOGRAMMEN zijn agressief, dissonant, anti-picturaal voor degenen die nog steeds een achterhaalde en vervallen visie hanteren. Het is schilderkunst die een nieuwe houding vereist, het is de NIEUWE VERBEELDING, representatief voor een nieuwe wereld die wordt bewoond door liefde, vrijheid, waardigheid, vrede en levensvreugde.” Als toegewijd kunstdocent voor meerdere generaties gelooft hij sterk in kunst en cultuur als een essentieel instrument voor sociale rechtvaardigheid en groei. De titel is een verzonnen woord.
Olie op canvas
100×100 cm
Museum of Modern Art of Buenos Aires. Acquired through the Acquisitions Committee, 2023.
Línea continua, 1948
Enio Francisco Girola Iommi (Argentinië, 1926 –2013)
Enio Iommi was een Argentijnse kunstenaar die vooral bekend was om zijn werk als constructivistisch beeldhouwer. In 1946 was hij medeoprichter van de Argentijnse afdeling van de internationale beweging voor concrete kunst. “Telkens wanneer ik materiaal vind dat mij aanspreekt, zoek ik het op en bewaar ik het enige tijd thuis. Na een tijdje gebruik ik het materiaal, omdat ik er al over heb nagedacht. Ik stel me voor hoe het materiaal in mijn gedachten verschijnt en hoe mijn gedachten zich aanpassen aan het materiaal. Ik streef naar wat ik wil maken. Als er een beeld verschijnt, dan is dat zo. Als er niets verschijnt, dan gaat het de prullenbak in. Pas op! Want afval is ook goed!”
Zijn sculpturen ontstaan uit eenvoudige vormen: cirkels, vierkanten, driehoeken en ellipsen; lijnen die een sculptuur willen worden – of een sculptuur die een lijn in de ruimte wil zijn. – Enio Iommi’s Línea continua (1948) slingert en stroomt door de ruimte en creëert zo zijn eigen manier van bestaan.
Staal en brons draad
26x15x18 cm
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires www.enioiommi.com/biografa-1
Rood Figuur, 2020
Mark Janssen (Nederland, 1974)
“Gewoonlijk heb ik een idee over hoe een werk gaat worden en dan werk ik het idee uit. Maar voor de inzending van De Limburg Biënnale besloot ik iets te maken waarvan ik van tevoren niet wist hoe het er uit zou zien. Ik heb de werken heel intuitief gemaakt. Gewoon wat op dat moment in mij opkwam uitwerken. Dus dit ging ook snel. Niet lang nadenken maar verf erop! Ik heb gemerkt dat snelheid voor mij essentieel is om iets voor elkaar te krijgen. Niet te veel denken want dat vertraagt het proces. De toeschouwer mag zijn gedachten over het werk zelf vormen.” Eceiza voelde zich aangetrokken door de abstracte lijnen waarin je toch een lichaam kon waarnemen.
Limburg Biennale, Marres, 2020
I am not Sorry – Doris Payne, 2024
Corina Karstenberg (Nederland, 1967)
Karstenberg is een hedendaagse Nederlandse kunstenaar, cultuurhistoricus en mensenrechtenactivist wiens werk sterk gericht is op mondiale mensenrechten, culturele identiteit en sociale rechtvaardigheid. Haar kunst fungeert als visuele vertelling en bevat doorgaans kenmerkende culturele en religieuze symbolen om de persoonlijke verhalen en worstelingen van haar onderwerpen te belichten. Dit werk verbeeldt Doris Payne, een crimineel wier carrière zes decennia omspande en die werd gekenmerkt door gestolen diamanten ringen, spectaculaire arrestaties en meerdere identiteiten. In 2013 werd een documentaire over haar leven gemaakt, getiteld The Life and Crimes of Doris Payne (2013). Daarin beschrijft Payne in detail veel van haar misdaden, van de eerste diefstallen in haar jeugd tot haar arrestatie in 2011, op 80-jarige leeftijd, wegens het stelen van een diamanten ring uit een warenhuis van Macy’s. Eceiza vond haar werk in het boekje van de Limburg Biënnale van 2024 en werd aangetrokken door de houding die wordt gesuggereerd door de titel I am not Sorry – Doris Payne.
Limburg Biennale, Marres, 2024
The Seven Pointed Star (Sjustjärnan) no 5., 1908
Hilma af Klint (Zweden, 1862-1944)
De Zweedse schilder Hilma af Klint wordt beschouwd als een pionier van de abstracte kunst en als een buitengewone vrouwelijke kunstenaar van de 20e eeuw. Haar heldere lijnen en zachte kleuren condenseren energie in minimale lijnen en onthullen haar liefde voor de natuur, wiskunde en spiritualiteit. De kunstenaar bepaalde in haar testament dat haar omvangrijke oeuvre, bestaande uit meer dan duizend werken en 125 notitieboeken, pas 20 jaar na haar dood mocht worden tentoongesteld. In de jaren 80 kreeg haar werk opnieuw waardering. Eceiza ziet in Af Klints cirkelvormen een weerspiegeling van de precisie van de hand van een passer, die nu met even fijne naalden in de stoffen is genaaid.
Tempera, gouache en grafiet op papier, opgeplakt op doek
75.5×62 cm
Let it Be, 2005
Ina Kooper (Nederland, 1945)
De schilderijen van Ina Kooper zijn gewijd aan kwetsbaarheid. Ze gaan over angst, onzekerheid, maar ook over menselijke kracht en veerkracht. Eceiza koos dit werk vanwege de sculpturale kwaliteit en de statische en eenvoudige vorm. Het doet haar denken aan de hoofden van Aldo Paparella, en daarom plaatste ze het werk zijwaarts op de textiele wandkleden. Het werk vormt ook een contrapunt met Abaporu van Tarsila do Amaral, waarvan de voeten stevig op de grond staan, terwijl het hoofd hier iets probeert aan te raken.
Olie op canvas
125 x 110 cm
Limburg Biennale, Marres, 2024 www.kooper.nl
Untitled
Jan Křížek (Tsjechië, 1919 – 1985)
Jan Křížek was een uitzonderlijk originele en solitaire Tsjechisch-Franse beeldhouwer, schilder en graficus. Hoewel hij aanvankelijk een academische opleiding volgde, is hij vooral bekend om zijn rauwe, zeer eigen bijdragen aan de naoorlogse Parijse scènes van de Art Brut en het surrealisme. Tijdens de Tweede Wereldoorlog werkte hij samen met steenhouwers en hield hij zich intensief zelfstandig bezig met studie. Zijn interesses bestreken een buitengewoon breed scala aan onderwerpen, van anatomie en architectuur tot religieuze kunst en moleculaire fysica. Omdat hij geen geld en geen geschikt atelier had, verzamelde Křížek puin en stenen van sloopwerken op Parijse bouwplaatsen, die hij gebruikte om ruwe, totemachtige figuren uit te hakken. Zijn primitieve stenen sculpturen trokken de aandacht van Jean Dubuffet, die ze in 1948 tentoonstelde in de kelder van de Galerie Drouin, onder zijn Foyer de l’Art Brut. Zijn kenmerkende rauwe esthetiek kreeg ook lof van prominente avant-gardisten als Pablo Picasso (met wie hij in Vallauris samenwerkte), André Breton en Charles Estienne. Křížek nam deel aan surrealistische groepsactiviteiten en tentoonstellingen die hedendaagse kunst verbonden met Keltische en archaïsche geesten.
Wanneer ruimte- of materiaalbeperkingen hem verhinderden om in steen te beeldhouwen, richtte Křížek zich op tekenen, gouache, linoleumsneden en lithografieën. Deze werken bevatten vluchtige, expressieve silhouetten en gezichten — met name vrouwelijke vormen — die hij benaderde vanuit de structurele denkwijze van een beeldhouwer. In 1962 werden Křížek en zijn vrouw, na een aangifte over zijn onregelmatige verblijfsstatus in Frankrijk, gedwongen Parijs te ontvluchten. Diep geschokt vernietigde hij een groot deel van het werk dat hij niet kon meenemen. Het echtpaar vestigde zich uiteindelijk in een afgelegen, eenvoudig houten huis in Goulles (Corrèze), waar Křížek een zeer teruggetrokken leven leidde en als imker werkte. Hij ontwikkelde zich verder richting wat hij ‘speculatieve beeldhouwkunst’ (sculpture speculative) noemde: “Ik heb de dingen zover gebracht dat ik geen sculpturen, schilderijen en tekeningen meer hoef te maken.”
Materials
Source
Tunnel Teller, 2018
Alicja Kwade (Polen, 1979)
Kwade is een Pools-Duitse hedendaagse kunstenaar wiens sculpturen en installaties zich richten op de subjectiviteit van tijd en ruimte. Ze maakte TunnelTeller in 2018. Het is een doolhofachtige installatie, gemaakt van glad beton en voorzien van grote buizen van roestvrij staal. Grote stenen knikkers liggen eromheen verspreid. Celina Eceiza kwam het werk tegen toen ze in residentie was bij het Art Omi Museum in Ghent, New York.
Roestvrij staal, beton, natuursteen
243x1828x1300 cm
Art Omi, Ghent, New York alicjakwade.com/works/tunnelteller#image-7
Sin título
Alfredo Londaibere (Argentinië, 1955-2017)
Londaibere was een kunstenaar die het spirituele zocht op zeer alledaagse plekken. Hij hield zich niet aan een traditionele, dogmatische religieuze instelling, maar zijn artistieke filosofie en levenswerk waren gericht op het heilige. Zijn werken vormden een eclectische mix van klassieke Europese kunst, het vroege christendom, barokke koloniale schilderkunst en heidense, katholieke en Afro-afstammingsgebonden overtuigingen. Schilderkunst bood hem een onderzoeksgebied dat hij verkende aan de hand van uiteenlopende technieken en materialen, waarmee hij traditionele genres opnieuw benaderde. Tegelijkertijd maakte hij zeer praktische kleine werken, waaronder kleine geïllustreerde kalenders. Deze praktijk bood een weg naar het bereiken van een spirituele staat, die steeds explicieter werd in zijn thema’s en zijn visie op de wereld. Uiteindelijk maakte Londaibere van schilderkunst een persoonlijke religie en een dagelijkse processie.
Synthetische lak, acryl, stukjes blik en randen van nieuwzilver
39×61.5 cm
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Gift of Fabián Burgos, 2002
A oui, 2019
Keetje Mans (Nederland, 1979)
De Maastrichtse kunstenaar Keetje Mans staat bekend om werken waarin het huiselijke wordt gecombineerd met het mysterieuze. Door haar pastelkleuren te mengen met zwart, krijgen haar werken iets duisters en onheilspellends, alsof ze een dreigende of onbekende vorm van gevaar aankondigen. Haar artistieke proces is intuïtief en chaotisch: ze schildert rechtstreeks op het doek, zonder voorbereidende schetsen. Eceiza bewondert A Oui om zijn psychologische lading en sfeer.
Acryl op canvas
40×30 cm
Limburg Biennale, Marres, 2020 keetjemans.nl/work/a-oui-2/
Espacio disponible, 1992
Liliana Maresca (Argentinië, 1951 – 1994)
Het werk van Maresca omvat verschillende disciplines, waaronder beeldhouwkunst, schilderkunst, grafische montages, installaties en performances. Na haar opleiding aan de Escuela Nacional de Cerámica werd ze begin jaren 80 een belangrijke figuur in de artistieke scene. In 1985 organiseerde ze een groepstentoonstelling met de titel Lavarte, wat “was jezelf” betekent, in een wasserette aan de Bartolomé Mitre-straat.
In 1990 presenteerde de kunstenaar de installatie Recolecta (Verzamelt), met als centraal thema winkelwagens zoals die door dakloze mensen door de straten van de stad worden geduwd. De wagens, geheel wit of in goud en zilver geschilderd, waren bedoeld als kritiek op het lijden van sociaal gemarginaliseerde mensen.
In 1992 creëerde ze de installatie Espacio disponible (Beschikbare ruimte). Voor dit werk plaatste Maresca een reclamebord waarop stond dat de ruimte ‘voor elk doel’ beschikbaar was, met haar naam en telefoonnummer en twee data. Door een lege galerie te presenteren, verlegde Maresca de aandacht van de kunstenaar als louter producent van tastbare objecten of consumentistische fantasieën. Het kunstwerk werd de open ruimte zelf.
Een paar maanden later publiceerde Maresca, met hulp van collega’s, in het tijdschrift El Libertino 14 erotische foto’s van zichzelf onder de titel “Maresca se entrega – todo destino” (Maresca biedt zichzelf aan – voor elk gebruik), waarmee ze een verband suggereerde met de advertentie die ze eerder had gepresenteerd en opnieuw haar telefoonnummer vermeldde. Beide werken onthulden haar interesse in de performativiteit van de taal van reclame en in de verwachtingen die aan de kunstenaar worden gesteld als maker van objecten en fantasieën. Het werk geldt nog altijd als een van de meest iconische symbolen van het Argentijnse conceptualisme van de jaren 90 en is zorgvuldig gereconstrueerd voor retrospectieve tentoonstellingen.
Installatie met variabele afmetingen, bestaande uit drie borden
Prive Collectie
Untitled (Sunbath), 2022
Nacho Martin Encinas (Spanje, 1994)
Nacho Martín Encinas (Madrid, 1994) studeerde Schone Kunsten aan de Complutense Universiteit van Madrid en de Universiteit van Castilla-La Mancha. Zijn werk is tentoongesteld bij TRACES (Kassel), Fundación Antonio Pérez (Cuenca), Kunsthochschule (Kassel) en Espacio Kanoko (Cuenca). Hij heeft verschillende onderzoeksresidenties gevolgd, waaronder aan de Universität Kassel (2022–2023), waar hij samen met de onderzoeksgroep Hypersituations deelnam aan Documenta vijftien. Sinds 2018 maakt hij deel uit van het collectief Los Explayados, samen met Ignacio Casero en Adrián Mena. Eceiza hield van dit beeld vanwege het vermogen ervan om je door het schilderij heen de warmte van de zonnestralen te laten voelen.
Limburg Biennale, Marres, 2022
Bathing Woman, 1899
George Minne (België, 1866–1941)
Minne was een zeer invloedrijke Belgische symbolistische kunstenaar wiens portretten, bustes en figuratieve werken diepe innerlijke emoties weergeven. In plaats van te streven naar een letterlijke weergave, gebruikte Minne langgerekte vormen, subtiele gebaren en gestileerde gelaatstrekken om thema’s als spiritualiteit, verdriet, moederschap en kwetsbaarheid uit te drukken. In zijn driedimensionale portretten en bustes richt Minne zich vaak op een pure, sombere expressie. Hij gebruikte vaak brons, marmer en gips om beklemmend mooie mannelijke en vrouwelijke hoofden te creëren, die geïsoleerd, beschouwend of spiritueel belast aanvoelen. Eceiza koos dit werk vanwege de mooie weergave van vrouwen in de kunst, evenals vanwege het donkere silhouet.
Brons
39,6 ×23,5 × 15 cm
Bonnefantenmuseum
Valledor, 2007
Forrest Warden Myers (USA, 1941)
Forrest Myers exposeert sinds de jaren 60 zijn grootschalige sculpturen in de buitenruimte en openbare installaties. Hij gebruikt materialen die variëren van beton en kunststof tot aluminium en staal. Later in zijn carrière begon hij zich te richten op abstract meubilair en werd hij bekend om zijn stoelen en fauteuils met unieke, minimalistische vormen en verstrengelde nesten van verschillende materialen. Valledor is een grote aluminium sculptuur die gebruikmaakt van de principes van het menselijk zicht en perspectief. Het werk kan worden gezien als een compacte kubus, maar de dunne lijnen veranderen van vorm afhankelijk van het perspectief van de toeschouwer. Tegelijkertijd fungeert het als een venster waardoor de ruimte erachter zichtbaar wordt.
Aluminium en staal op houten basis
Art Omi, Ghent, New York
Floor Burger, 1962
Claes Oldenburg (Zweden, 1929 – 2022)
Claes Oldenburg was een in Zweden geboren Amerikaanse beeldhouwer en vertegenwoordiger van de popartbeweging, die vooral bekend is om zijn openbare kunstinstallaties. Deze installaties bestonden doorgaans uit grote replica’s van alledaagse voorwerpen, waaronder een schop, een lepel en een stoel. De laatste behoorde tot zijn serie zogenoemde ‘soft sculptures’: uitvergrote sculpturale replica’s van alledaagse voorwerpen, gemaakt van zachte materialen. In 1961 publiceerde Oldenburg het invloedrijke popartmanifest “I am for an Art… that is political-erotical-mystical, that does something other than sit on its ass in a museum/I am for an art that grows up not knowing it is art at all/an art given the chance of having a starting point of zero/i am for the art of underwear and the art of taxicabs, as well as that of ice cream cones dropped on concrete, teddy bears, and exploded umbrellas/I am for all art that takes its form from the lines of life itself, that twists and extends and accumulates and spits and drips, and is heavy and coarse and blunt and sweet and stupid as life itself.” Eceiza’s sculpturale werk en aandacht voor populaire cultuur getuigen van haar schatplichtigheid aan het werk van Oldenburg.
Canvas gevuld met schuimrubber en kartonnen dozen, beschilderd met acrylverf
132.1 x 213.4 x 213.4 cm
Art Gallery of Ontario, Toronto
© AGO
Energía apagada, 1971
Aldo Paparella (Argentinië, 1920-1977)
Paparella werd geboren en groeide op in Italië, maar werd pas kunstenaar nadat hij naar Argentinië was geëmigreerd. In zijn poging om een directe beeldtaal te creëren waarmee hij zijn zorgen over de moderne mens kon uitdrukken, werkte hij zonder schetsen. Paparella beschouwde poëzie als het enige middel om het menselijk ras te redden van consumentistische vervreemding. Tot zijn bekendste werken behoren de oogverblindend witte Useless Monuments (Monumentos inútiles), een groep sculpturen gemaakt van kwetsbare materialen, waaronder hout, karton en met gips verstevigde stoffen, die allemaal met krijt zijn witgemaakt. Eceiza werd geraakt door dit werk, getiteld Energía apagada (Extinguished Energy), waarin hoofden rechtop staan of plat op hun zij liggen, en elke deuk en ronding de vingerafdrukken van de kunstenaar laat zien.
Karton, hout, krijt en lijm
230x140x120 cm
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina cvaa.com.ar/04ingles/04biografias_en/paparella_en.php
Cabeza de Señora, 1966
Juan del Prete (Argentinië, 1897-1987)
Juan Del Prete was een in Italië geboren, autodidactische schilder, tekenaar, beeldhouwer en docent die in 1909 naar Argentinië emigreerde. Na een reis naar Parijs omarmde de kunstenaar een abstracte beeldtaal waarin dichte pigmentlagen werden gecombineerd met afgedankte materialen zoals gekleurd papier, touw, stukken stof, draad en metalen voorwerpen. Eceiza houdt van Del Prete’s dwangmatige werkwijze. Volgens haar “schilderde hij vanuit zijn buik, braakte hij verf uit en vernietigde hij werk om eindeloos nieuwe vormen te kunnen herontdekken.”
Touw en olieverf op karton
79×57 cm
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Eugenia Crenovich Donation, 1989 coleccion.museomoderno.org/index.php/Detail/works/12709
Cooling System 10 (for Global Warming), 2019
Laure Prouvost (Frankrijk, 1978)
Prouvost is een Franse kunstenaar die bekendstaat om haar geestige en gelaagde filminstallaties en objecten. Celina ontdekte het werk van Prouvost in het Bonnefantenmuseum in Maastricht. De sculptuur maakt deel uit van een bredere serie van ‘koelsystemen’, door de kunstenaar bedacht als absurde, humoristische en poëtische voorstellen om de opwarming van de aarde tegen te gaan. In haar werken komen vaak kenmerkende vormen van geblazen glas voor—zoals borstachtige vormen—die vrouwelijke kracht, vloeibaarheid en een verbondenheid met de natuur symboliseren. Eceiza werd getroffen door de gelijkenis tussen dit werk van gemengde media en glas en het kunstwerk van de Argentijnse kunstenaar Omar Schiliro. Door dit werk opnieuw te maken in textiel, wilde Celina een keten van verwantschappen creëren.
Papier, beton, Murano, hout, waterverf
200x120x120 cm
Bonnefantenmuseum www.lissongallery.com/artists/laure-prouvost
© Isabelle Henricot
Trotse Haan, 2020
Gerrit van Ratingen (Nederland, 1940)
Gerrit van Ratingen is een Nederlandse hobbyschilder uit Heythuysen (Limburg) die regelmatig in de regio exposeert. Hij schildert veelal met olieverf of acryl en maakt gebruik van zowel penselen als paletmessen om structuur en diepte aan te brengen. Zijn werk varieert van nostalgische Limburgse doorkijkjes en portretten van dorpsfiguren tot levendige interpretaties van dieren.
Limburg Biennale, Marres, 2020
Pac-Lab, 2017
Will Ryman (USA, 1969)
Pac-Lab van Ryman is een serie muren en paden die zijn ontworpen om een doolhof uit een videogame na te bootsen, waar bezoekers naar binnen kunnen gaan en zich doorheen kunnen bewegen. Ryman vormde de muren van het doolhof met de hand uit klei, waardoor het de uitstraling van een primitief monument krijgt; elke muur is beschilderd in een opvallende primaire kleur (kleuren die doen denken aan onze associaties uit de kindertijd met het maken van kunst, evenals aan de schilderijen van Piet Mondriaan). Hoewel Pac-Lab visueel speels is, dient het als een reflectie op onze hedendaagse consumptiecultuur. Celina genoot ervan de absurdistische benadering van het werk van de kunstenaar vast te leggen door het af te beelden met tientallen raven die boven op een bord zitten met de tekst ‘niet op de sculptuur klimmen’.
Gegoten hars, staal, verfe
4×37,5×50 inches
Art Omi, Ghent, New York www.willryman.com/paclab-images
© Alon Koppel
What do you like the most about me?, 1970
Niki de Saint Phalle (Zwitserland, 1930-2002)
De uitbundige en veelzijdige praktijk van de Frans-Zwitserse kunstenaar Niki de Saint Phalle benadrukte vrouwelijkheid, performance en samenwerking, en verwierp daarmee het idee van het eenzame mannelijke genie. Saint Phalle is wellicht het bekendst om haar ‘Shooting Paintings’—doeken die ze maakte door met een geweer op met verf gevulde ballonnen te schieten—en haar sculpturen van enorme, kleurrijke en voluptueuze vrouwelijke vormen, die ze ‘Nanas’ noemde. Verscholen achter haar wereldwijd bekende sculpturen vond Eceiza dit visuele gedicht, dat de poëzie van de kunstenaar weerspiegelt over romantiek, liefde en (de behoefte aan) geluk.
Kleurenlitho op papier
49×65 cm
Ring of Fire, 2024
Carmen Schabracq (Nederland, 1988)
Carmen Schabracq maakt schilderijen, sculpturale installaties en performances waarin de theatraliteit van het leven een belangrijke rol speelt. Ze combineert mythen, tradities en eigen ervaringen om collageachtige verhalen te vertellen. Vaak gebruikt ze het masker, zoals dat dient als hulpmiddel in een ritueel of performance om ‘de ander’ te worden. Haar werk biedt een manier om te ontsnappen en jezelf in een andere wereld te wanen, vol kleur, speelsheid en humor, om met de realiteit van leven en dood om te gaan.
Church, 2018
Helen Verhoeven (Nederland, 1974)
Helen Verhoeven is een schilder en beeldhouwer die in Berlijn woont en werkt. Haar schilderijen worden soms gecombineerd met keramiek, glas-in-loodramen, grafiek en film. In haar werk, dat varieert van zeer klein tot monumentaal groot, gebruikt ze verschillende texturen en patronen, waardoor het geheel een bijna collageachtig effect krijgt. Thematisch verbindt ze autobiografische elementen met universele thema’s zoals vruchtbaarheid, schoonheid, lust, agressie en de dood. “Mijn schilderijen verbeelden vaak onaangename dingen, maar hopelijk met een zekere lichtheid, want humor is uiteindelijk het beste tegengif tegen alle ellende.” Haar werk is over de hele wereld tentoongesteld en bevindt zich in talrijke collecties. In 2008 ontving ze de Koninklijke Prijs voor de Schilderkunst, gevolgd door de Wolvecamp Prijs in 2010. Eceiza heeft naar eigen zeggen een fetisj voor huizen en was dol op dit ‘huis’ van Verhoeven, dat ze zag als een prachtig toevluchtsoord voor vrouwelijkheid.
Hout, gips, textiel
285 x 540 x 310 cm
Bonnefantenmuseum
Lieve Moeder, 2026
Wonne (Nederland, 1996)
Wonne’s kunstwerken zijn gemaakt van hetzelfde materiaal als dromen en nachtmerries. Zijn keramische sculpturen, tekeningen op papier, schilderijen en digitale collages zijn erop gericht zich open te stellen voor de wereld. Door het perspectief en de stijl van kinderen te gebruiken, probeert hij de terughoudendheid en afstand te vermijden die met het ouder worden ontstaan. Eceiza bewondert de rechte lijnen en eenvoudige kleuren die onmiddellijk zichtbaar maken hoe de tekening of het schilderij is gemaakt. Een zachte glimlach naar een baby in crisis, twee psychologische energieën die in hetzelfde schilderij leven.
Inkt, acryl en potlood op papier
21 x 30 cm
Limburg Biennale, Marres, 2026
Indian Bird, 2013
Rose Wylie (VK, 1934)
Wylie maakt grote schilderijen op ongespannen, ongeprepareerd doek met “korte kwasten, zoals schrobborstels, zodat ik dingen kan verschuiven”. Ze gebruikt ook haar vingers of brengt verf rechtstreeks uit de tube aan. Vaak plakt, bevestigt en lijmt ze stukjes materiaal op het doek om het schilderij textuur te geven, waarbij vegen en druipers zichtbaar blijven. “Ik heb helemaal geen moeite met imperfectie,” zei ze ooit in een interview, “alleen noem ik het geen imperfectie — ik noem het ‘versleten’, of ‘er zit een vlek op’, of ‘het valt uit elkaar’.” Wylie’s werk is geïnspireerd door haar dagelijks leven, maar ook door populaire films, stripboeken, de natuur, dieren, nieuws, sport en verhalen over beroemdheden.
Waterverf en collage op papier
93.5 x 91.5 cm
Composición, 1937
Yente (Eugenia Crenovich) (Argentinië, 1905-1990)
Eugenia Crenovich, beter bekend onder het pseudoniem Yente, werd in 1905 geboren in Buenos Aires. Ze studeerde af als filosoof aan de Universidad de Buenos Aires en volgde haar kunstopleiding in het atelier van Vicente Puig en aan de kunstacademie van de Universidad de Santiago de Chile. Als pionier van de abstracte kunst in Argentinië maakte ze niet alleen schilderijen, maar hield ze zich ook bezig met sculpturen, wandtapijten en geïllustreerde boeken. Daarnaast was ze schrijfster. Yente maakte haar werken door haar doeken op de vloer uit te spreiden. Daarom maakte Eceiza haar werk liefdevol opnieuw op een schoonmaakdoek.